Lo que sangra...

Twitcam en vivo desde mi taller

Una ventana al trabajo en el taller - Trasmitido en vivo el 25/11, pueden verlo en diferido cuando quieran - Hasta el min 50 es el preparado de los materiales, y luego comienza la acción.

Los colores están saturados y quemados por la poca resolución del streaming, así que se ve como uniforme zonas de la obra que están llenas de detalles.

Aunque al final lo aclaro para la cámara, el trabajo sigue mas allá de lo filmado ya que recién allí comienza el agua a trabajar, moverse, y fluir, y requiere de estar ahí atento a los detalles para que la cosa valla para el lado que uno quiere y no sea mero azar.

La música es cortesía de Massacre al comienzo, y luego El Tronador.

En mas o menos una semana o dos estarán las fotos del resultado final ya que aun restan varios días mas de trabajo

Jose Maria Casas, O La Transfiguracion de la Pintura

Por Claudia Laudanno*

 “Porque lo sublime no alcanza; también se necesita lo sutil, la sutileza consistente en desviar lo real…”. Jean Baudrillard. El complot del arte, 2007. 

A partir del 15 de diciembre y por casi dos meses se extiende DESEMBARCO, la flamante y abultada individual pictórica, del joven artista marplatense, José María Casas, en Babel Art Space, un singular Hotel Boutique, ubicado en el porteñísimo barrio de San Telmo, que apuesta por el joven arte argentino.

La heterogeneidad de las creaciones artísticas actuales, la multiformidad de soportes, materiales, formas, objetos inéditos, que ponen en abismo el status ontológico de la noción misma de “arte” en pos de la pluralidad de “las artes” nos hablan de un radical cuestionamiento de los modos, los “usos” y las “claves”  para acceder a la fruición estética - el goce kantiano -, y su ulterior interpretación por parte del espectador, en esta ya promediada primera década del tercer milenio.

¿Qué pasa con la pintura que se retroalimenta de sus propias fuentes sin cesar? ¿Por qué cada vez más existen jóvenes camadas de artistas que apuestan por otro rango pictórico, más híbrido, más “desfasado”, irónico,  y paradojal, si se quiere? Este “después de la pintura” implica la cesación de los discursos agoreros que se declamaron desde diferentes canales de “validación” del arte, aún hoy, cuando estamos transitando tiempos cuasi alejandrinos, absolutamente post-epocales, en los cuales, es interesante dar cabida a la infinita gama de modulaciones lingüísticas que los discursos del arte nos colocan ante nuestros sentidos y nuestras propias competencias textuales, con el objeto de “abrir la obra en la obra”. 

La pintura que se retira del pasado y toma posesión del presente

Ut pictura poiesis. Pintura como cuerpo. Como piel. Como traza. Como tejido transaccional de acciones, que se superponen unas a otras, cual palimpsesto. Pintura como texto, hecha de contaminaciones visuales, de resabios, de descentramientos, de yuxtaposiciones, de metonimias, que niegan la verticalidad de la metáfora - no hay ausencia, no hay sustitución, pues acá todo es presencia -, y por si fuera poco: sus encadenamientos prima facie anárquicos tejen redes laberínticas ad infinitum. Pintura hecha de prodigalidad, de exacerbaciones, de una dilapidación de medios, de un trop, de un “está de más”. 

Pintura que se sabe en su esencia, naturalmente “barroca”. Lo contrario al despojamiento. El triunfo del “más”, de la acumulación, del interjuego prolífico de texturas, veladuras, costras, materialidad. Arte de la “presencia plena”, arte que trata de recuperar un “aura” nueva, quizás, más fría, pero aura al fin, dado que no existen dos cuadros iguales.  Es decir, como sostenía Benjamin, un arte capaz de producir en el espíritu y el ánimo de quien lo contempla, una suerte de erlechtung. Y es así, como la pintura detenta ese “plus”, que la coloca en un lugar de privilegio, a mí ver, entre las otros mundos estéticos que crea el arte, cuyo abanico sabemos que es infinito. Y eso es bueno tenerlo en cuenta.

Desbordamientos y contaminaciones pictóricas. En contra de la pintura tout court.

La propensión del artista a realizar un riguroso abordaje  a sus telas, como si fueran auténticos campos de batalla, al mejor estilo del all over painting, una citación en clave contemporánea del dripping pollockiano, pero con elementos azarosos, luego rectificados a nivel consciente por el artista, es decir, “determinados racionalmente”, si se prefiere, “editados”, con una aproximación netamente gestual y visceral. He aquí, una de sus huellas autográficas más significativas y peculiares.

Casas, parte de  un acercamiento al análogo material, esto es, una toma de posesión de la tela o el soporte que desea intervenir, sin mediaciones, valiéndose de un accionismo completamente miocinético, moviendo constantemente la superficie, dejando “colar”, aglutinar y amalgamar el médium, previamente escogido por él y, muchas veces, de naturaleza mixta, gracias al empleo de esmaltes, lacas, materiales artísticos y extra-artísticos, todos coadyuvando para generar un tejido palimpsestual hecho de sucesivas adiciones y superposiciones, en donde los acuerdos de color, son fuertemente pregnantes y shocking. En estos trabajos de grandes dimensiones la colorimetría propia del artista es expansiva. En este sentido, el pintor emplea pigmentos puros, que en el plano visual logran una indiscutible “primeridad” estética, del mismo modo que los monocromos azules de Ives Klein con su International Klein Blue (IKB)

Por otra parte, dicha necesidad de “agregar”, “sacar”, “poner”, adherir escrituras y grafismos, sopesar camadas de pintura sobre otras pinturas, se convierte en una estrategia recurrente, que termina por homologarse con su obsesión por dar cabida y “coleccionar”, aquellas formas de lo informe, cuyo talante aflora con un sesgo lejanamente biomorfico. 

De tal suerte, ciertas conformaciones o siluetas abstractas, que aparecieran en algunas de sus anteriores series, se “transfiguran” en estos camuflajes y distorsiones que el artista ejecuta ex profeso, para interrogar y llevar al límite de sus propias posibilidades el lenguaje pictórico ortodoxo de la pureza y la especificidad, propuesto por la estética de Greenberg, en una especie de espiral citacional del “eterno retorno”, hecho ahora “eterno presente”. ¿O no es acaso, lo que llamamos “el grado cero de la pintura”?

La  idea de décalage cronológico asume también su protagonismo, una y otra vez, en contra de una convención de “tiempo” igualmente reformulada. En efecto, este es “un tiempo sin tiempo”, en el que conviven pausas, huecos, vacíos, deslizamientos, disrupciones, tachaduras, mementos, conglomerados que son como explosiones pictóricas, para obligarnos a enfocar y desenfocar nuestro ojo. No olvidemos que la mirada, preexiste al ojo como órgano, tal como lo aseveraba Merleau Ponty.

Estos tejidos energéticos, pletóricos de un élan vital, por demás ostensivo, poseen diferentes formatos, desde medidas medianas a grandes superficies, ya sea, en trípticos y polípticos, que adoptan la fisonomía de “muros”. Y justamente, es en esta muestra, que el artista realiza en Buenos Aires, donde se apropia literalmente de todo el espacio interior del edificio y fundamentalmente, lo resemantiza desde una doble vía: modifica la “memoria del predio”, pues existe una decisión y una intentio autoris, absolutamente neo conceptual, en ello y, paralelamente, incorpora a su operar, todo el acervo que la arquitectura del locus le proporciona. En este punto, es fundamental destacar que sus pinturas, “construyen” argumentos, poseen un valor gnoseológico, formulan significados recónditos y aportan conceptos. Pues, se trata de una mera aisthesis, es decir, de una pura visualidad.

Las obras de este último trienio (2009, 2010, 2011) trazan líneas argumentales sumamente alambicadas, con nudos y enredos de sentidos y sinsentidos y dispuestas a ir más allá para trasponer las fronteras de la consabida sensorialidad.

Abstracción de magma fluctuante

El ingrediente activo, el médium que va connotando sus telas y maderas, multiplica y propaga formas que colocan en situación de riesgo la noción misma de tiempo, como ya lo observamos anteriormente. Hay una dualidad de la temporalidad. La pintura está hecha de impurezas, de heterodoxias, restos, de negación de la unilateralidad del propio lenguaje, rasgo típicamente tardo moderno,  Ese frente  “anti-artístico”, en el buen sentido de la palabra - recordemos el anti-arte - , defiende el efecto plural, la no unidad de la obra, la deriva, la diversidad,  su diseminación, su pluralidad semántica, esa relación cuerpo a cuerpo con la pintura, donde las cualidades- de absorción, derrame, coagulación del soporte demuestran el oficio de quien sabe jugar con las disociaciones para transformar la propia poética en un opus subtiliter, no exento de una cruda, informe y profana belleza. O acaso el arte actual no puede ser bello? Me refiero a esa experiencia estética de la belleza que podría definirse mucho mejor afirmando que la existencia es la que queda en suspenso.

* Doctora en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Buenos Aires (U.B.A) Critica de arte y semióloga de la imagen / Curadora independiente 

Apostasia Colectiva 2011 en Mar del Plata - Sumate!!

En Mar del Plata nos reunimos el viernes 16 de diciembre, de 10 a 12, en plaza San Martín (frente a la Catedral) - El horario diferente a la convocatoria general, y además tan restringido, se debe a que en nuestra ciudad el obispado atiende al público solamente en ese horario - Si la política de la Iglesia Católica Apostolíca Romana respecto a la homosexualidad te parecen DISCRIMINATORIAS, el día 16 de diciembre H.I.J,O.S Mar del Plata y Ateos MdP te invitan a la SEGUNDA APOSTASÍA COLECTIVA EN MAR DEL PLATA, para que mediante un trámite sencillo presentes tu renuncia formal al bautismo - Consultas por el trámite y por otras ciudades: apostasia@ateosmardelplata.com.ar

Artistas visuales por los 50 años de nuestra Universidad

Este sabado estare participando junto a otros colegas de la muestra por los 50 años de la Universidad Nacional de Mar del Plata. Les dejo la invitación formal.

El Rector de la Universidad Nacional de Mar del Plata, invita a Usted a la inauguración de la

“Muestra Universidad Nacional de Mar del Plata, 50 años”

que tendrá lugar el próximo 19 de noviembre a las 19 horas,

en el Salón Plaza del NH Hotel Provincial, ubicado en Bvd. Marítimo Peralta Ramos 2502.

Dicha muestra está compuesta por:

“Artistas visuales por los 50 años de nuestra Universidad”

Obras galardonadas en la última edición del Salón Estímulo para Estudiantes

Muestra de documentación gráfica Proyectos del Plan Maestro de la UNMdP

Exposición de fotografía.

Podrá visitarse del 19 al 25 de noviembre, de 16 a 20 horas.

Salón PLAZA del Hotel Provincial ( ingreso por recova frente al Teatro Auditorium )

Será muy grato contar con su presencia.

Expos 2010 y 2011 en el Centro Cultural Ser Semillas

En mas de una ocasión tuve que oír a mis colegas debatiendo respecto a que "hay que cuidar la obra", que no se puede exponer "en cualquier lado". En otras recibí concejos del tipo "mostrando ahí estas perdiendo prestigio y nombre". Nunca los entendí. Quizás porque mi motor a la hora de mostrar es compartir lo que hago e intentar conectar con gente a la que mi obra la sensibilice o le diga algo, y no intentar hacerme un nombre o granjearme chapa de "algo". 

Si algo aprendí en el camino del arte es que algo para decir, para contar, tenemos todos. Si muchos no lo hacen es mas por una cuestión de estructuración social, de represión y deformación educativa, que por una cuestión de talento. Algunos logran conectar con su veta expresiva mediante la pintura, otros mediante la música, otros escribiendo. Solo hay que descubrir esa vía, ese médium, si no existe inventarlo, y comenzar a deshacerse de esa estructuración que limita nuestras posibilidades creativas. Entonces.. como creerse especial, iluminado, o único, después de recorrer ese camino? 

Claramente el arte, al menos para mi, es un camino de comunión que lleva a comprender y conocer mejor al hombre. Como no compartir entonces esas producciones? Conque objeto? para que encerrarse círculos de entendidos y negarle esas obras al resto? De donde viene ese egoísmo obtuso? Quizás por eso siempre me impresiono el Street Art y su arrojo: su preferencia por la calle, el muro, la via publica, por sobre el chiquitaje de los circuitos cerrados... su desmitificacion de la obra como intento de eternizarse al aceptar que la misma durara lo que deba y ya.

Este año estuve participando con algunas de mis obras del Centro Cultural "Ser Semillas" que desde hace un año esta recorriendo la Argentina. Específicamente en el segundo tramo de su recorrido llamado "RUTA DE LOS COLORES". De la mano de Vladek y Paula esas obras "liberadas" comenzaron a buscar su lugar y ya estuvieron en:

• Centro Cultural el Obrador, Rosario, Provincia de Santa Fe. (2010)
• El Hoyo, Provincia de Córdoba. (2010)
• Salón Municipal de Anquincila, Provincia de Catamarca. (2010)
• San Jose, Provincia de Catamarca. (2010)
• Comedor de Cáritas, Quimilí, Provincia de Santiago del Estero. (2010)
• Comedor Municipal, Resistencia, Provincia de Chaco. (2010)
• Sindicato Luz y Fuerza, Salta Capital, Provincia de Salta. (2011)
• Escuela Bartolina Sisa, Agrupacion Barrial Tupac Amaru, San Salvador de Jujuy, Provincia de Jujuy. (2011)

...digo "liberadas" porque partieron de Mar del Plata no solo con la finalidad de ser mostradas o compartidas, sino bajo la consigna de ser donadas en aquellos lugares donde puedan servir de estimulo o inspiración --de semilla-- para los diversos emprendimientos culturales comunitarios que vallan encontrado en su camino y las precisen. La ruta las lleva hoy en dirección a Bolivia. El terreno es fértil a lo ancho y lo largo de toda la ruta, y la cosecha de una inmensidad inimaginable.

Para saber mas sobre el proyecto "Ser Semillas" y el hermoso trabajo de Paula y Vladek pueden entrar a http://www.sersemillas.org/